Si vous êtes ici pour la collection Nirvana, vous avez probablement vu l’animation qui l’accompagne :
Découvrez la collaboration Nirvana
Nous avons rencontré l’animateur derrière cette œuvre dans une interview spéciale.
Entretien avec Patrick Smith, animateur de la vidéo de lancement Nirvana
Quel est votre nom, d’où venez-vous et où habitez-vous actuellement ?
Je m’appelle Patrick Smith, je suis né à San Juan, Porto Rico, en 1972. J’ai grandi à Boston, Massachusetts. À l’âge adulte, j’ai vécu dix ans à New York avant de m’installer à Singapour pendant 5 ans. Puis, depuis une dizaine d’années, je vis à Montauk, New York, avec ma petite famille et notre chien Hutch.
Avez-vous un magasin d’art ou de disques local que vous aimez fréquenter ?
J’ai la chance de vivre ici à Montauk où la culture artistique et le surf sont florissants. Je passe littéralement à côté du « Memory Motel » rendu célèbre par les Stones. Il y a de l’art partout, il est difficile d’entrer quelque part sans voir une forme d’art local exposée. J’ai aussi la chance incroyable d’avoir Innersleeve Records tout près, dans la ville voisine d’Amagansett. C’est sûrement l’un des meilleurs magasins de disques anciens et neufs de la côte Est.
Revenons à votre art... quel a été votre premier travail rémunéré dans ce domaine ?
Mon premier emploi a été de concevoir des personnages pour Mirage Studios dans l’ouest du Massachusetts, qui publiait alors les Tortues Ninja. J’ai été rapidement remercié et je ne pense pas que les personnages que j’ai créés aient abouti à quoi que ce soit.
Comment décririez-vous votre style artistique ?
Une animation déformée inspirée par l’art du skate de Jim Philips et les bandes dessinées de Jamie Hewlett, ainsi que par l’animation légendaire de Bill Plympton. Mon style est image par image, dessiné à la main, dans la tradition des maîtres de Disney, mais psychédélique. C’est une méthode difficile et fastidieuse pour faire de l’animation, mais c’est ainsi que je dois procéder.
Vous avez travaillé sur le dessin animé Beavis and Butthead. Comment ce travail s’est-il présenté ?
À 23 ans, j’ai envoyé au hasard une cassette VHS de mon animation étrange de morphing à MTV. À ma grande surprise, ils m’ont appelé quelques semaines plus tard pour me demander de produire un spot d’identification de 10 secondes pour une grosse somme d’argent. Je me souviens très bien de cet appel car c’était le même jour où j’ai été refusé à l’Institut des Arts de Californie. Ce spot d’identification est devenu le plus diffusé de tous les temps et a remporté plusieurs prix. Ensuite, ils m’ont proposé un poste de dessinateur de décors sur Beavis and Butthead... ce qui m’a amené à New York et lancé ma carrière dans l’animation. C’était une époque vraiment unique à New York, nous formions une communauté soudée d’artistes en animation, tous travaillant dur pour créer des choses intéressantes.
Travailler sur une émission comme celle-là était-il l’objectif ultime pour quelqu’un dans l’animation ?
Beavis and Butthead était une introduction parfaite à l’industrie. Je n’étais pas intéressé par l’animation pour enfants, et j’aimais les courts-métrages de Mike Judge que je connaissais grâce au Festival d’Animation Spike and Mike, comme Frog Baseball et Office Space. À cette époque, on m’a aussi demandé d’aider à animer la séquence d’hallucination du premier film Beavis and Butthead, un segment conçu par Rob Zombie. C’était amusant car j’ai pu travailler plus près de mon style personnel. Donc, Beavis and Butthead n’était pas vraiment un but ultime, mais c’était génial de faire partie de cette histoire, et cela a beaucoup servi à ceux d’entre nous qui débutaient dans l’animation.
Votre chaîne YouTube est très impressionnante. Quand avez-vous mis en ligne votre première vidéo et a-t-elle eu un succès rapide ou progressif ?
Ma chaîne est restée inactive pendant des années. Je l’utilisais comme un lieu pour déposer certains de mes courts-métrages animés après leur passage en festivals. Mais en 2019, tout a changé quand j’ai publié « Pour 585 », un film qui a eu un bon parcours en festivals, se qualifiant même pour l’Oscar du meilleur court-métrage d’animation. Lorsqu’il est arrivé sur YouTube, il a explosé (il compte actuellement 256 millions de vues). J’ai réalisé que j’avais en fait un public, ainsi qu’une bibliothèque d’autres courts-métrages réalisés au fil des ans, alors j’ai monétisé et commencé à produire des films plus régulièrement. Nous sommes maintenant à 2 millions d’abonnés, et ça ne ralentit pas... c’est génial. J’envoie toujours mes films en festivals, mais ce n’est plus mon moyen de diffusion préféré. Je ne saurais être plus reconnaissant envers la plateforme YouTube et le public qu’elle a offert à mon animation.
Si quelqu’un vous demandait comment commencer à faire des animations, quel conseil lui donneriez-vous ?
En supposant que vous ayez une connaissance de base du dessin et de l’animation, je conseillerais de faire quelque chose de très court, moins d’une minute, voire moins. Faites-le d’une manière totalement différente – que ce soit dans l’histoire, le dessin ou la technique. Répétez. En faisant cela, vous apprendrez et vous améliorerez à assembler les choses. Vous finirez par trouver la bonne technique et le bon outil, et vous progresserez... c’est tout un voyage. Les universités proposent des formations en animation, ce qui est formidable si vous pouvez y accéder, mais ce n’est pas indispensable. Je suis autodidacte, comme certains des meilleurs animateurs que je connais.
Quand nous vous avons découvert, la première chose que nous avons remarquée était que vous portiez une casquette Thrasher Magazine. Alors, il faut demander, quel est votre parcours en skateboard ?
Je suis skateur depuis les années 90. Je suis extrêmement reconnaissant pour cette culture, ainsi que pour l’art qui en découle. Si vous persévérez dans le skateboard, cela devient votre identité, pour le meilleur ou pour le pire, et influence pratiquement tous les aspects de votre vie, vos amis et votre art. J’ai 52 ans et je continuerai à skater tant que je le pourrai. Jusqu’ici, tout va bien.
La collection Nirvana est maintenant lancée, et la publicité est sortie mieux que ce que nous aurions pu imaginer ! Pouvez-vous décrire le processus qui a mené à cela ?
La publicité est une folie entièrement dessinée à la main. Je me suis simplement assis et j’ai imaginé différentes façons de dessiner ces montres uniques en train d’être dévoilées, en utilisant des torsions et des transformations, en étirant des visages et des bouches, puis en animant ces concepts avec plusieurs centaines de dessins en couleur. Tout au long du processus, j’ai essayé de rester fidèle au style de mes jours chez MTV, ce qui signifiait canaliser une simplicité de dessin tout en conservant un sens étrange du mouvement viscéral. Le logo Nirvana aux yeux en croix s’est parfaitement intégré à la pièce, lui donnant une ambiance unique des années 90.
Découvrez la collection Nirvana
Quelle est votre partie ou détail préféré en travaillant avec les montres Nirvana et quel a été l’aspect le plus difficile de ce projet d’animation en particulier ?
Le défi de transformer une montre mécanique en une bouche charnue et extensible... Je me suis un peu demandé « comment diable vais-je faire ça » ? Mais la chose folle avec l’animation, c’est que les dessins prennent vie au fur et à mesure, ils commencent à prendre leurs propres décisions et à résoudre leurs propres problèmes. Un autre élément de la production a été la conception sonore, je veux dire, à quoi cela ressemble-t-il ? Nous avons opté pour une série de bruits de métal raclant et grattant, ainsi que du cuir qui craque et des manipulations de ballon. Puis, en dessous de tout cela, un battement de cœur subtil, un tic-tac d’horloge, et enfin, un échantillon de batterie.
Merci beaucoup Patrick. Y a-t-il des remerciements, des salutations ou des mots de conclusion que vous aimeriez nous laisser ?
Oui... Un chaleureux salut à mon ami Dan Keotke, qui a fait l’échantillon de percussion, c’était un batteur incroyable qui n’est plus parmi nous. Repose en paix mon frère.
